Martí y el impresionismo

Martí y el impresionismo

Martí y el impresionismo

Mayo 12, 2022

 

El 2 de julio de 1886 Martí envió al director del diario La Nación de Buenos Aires, en Nueva York, el texto “Nueva exposición de los pintores impresionistas”. Martí se dio cuenta que estaba frente a un movimiento pictórico completamente diferente, originado en Europa durante la segunda mitad del siglo XIX, a partir de las innovaciones de un grupo de artistas alejado de los temas clásicos y las fórmulas artísticas reconocidas por la Academia Francesa de Bellas Artes.

En este artículo recrea un diálogo entre los espectadores y define una categoría general para los nóveles artistas que organizaron la exposición en el salón del fotógrafo Nadar. “Acá están todos (…) Manet con sus crudezas, Renoir con sus japonismos, Pissarro con sus brumas, Monet con sus desbordamientos, Degas con sus tristezas y sus sombras”.

“Nueva exposición de los pintores impresionsitas”, evidencia la faceta martiana que lo convierte en un acucioso ensayista y crítico de arte. Realizó un recorrido literario por dicha exposición mediante un registro de datos, descripción de las obras, interpreta los fenómenos artísticos que tenía enfrente y conduce al lector en una experiencia estética.

Los artistas impresionistas se fueron del estudio y de la academia para salir al aire libre, al campo u otras zonas de la ciudad, y representar temas de la vida cotidiana mediante superposición de colores. “Esos son los pintores franceses (…), los que cansados del ideal de la Academia, frío como una copia, quieren clavar sobre el lienzo (…) a la naturaleza”. Reproducían los objetos de acuerdo a la impresión que daba la luz que se reflejaba en ellos y la sombra que generaban. Solo una visión aguda como la de José Martí pudo darse cuenta del buen arte y la huella que dejarían esos genios del pincel. 

Quieren pintar en el lienzo plano con el mismo relieve con que la Naturaleza crea en el espacio profundo. Quieren obtener con artificios de pincel lo que la Naturaleza obtiene con la realidad de la distancia. Quieren reproducir los objetos con el ropaje flotante y tornasolado con que la luz fugaz los enciende y reviste. Quieren copiar las cosas, no como son en sí por su constitución y se las ve en la mente, sino como en una hora transitoria las pone con efectos caprichosos la caricia de la luz. Quieren, por la implacable sed del alma, lo nuevo y lo imposible. Quieren pintar como el sol pinta, y caen.

Paralelamente, también comprende que Nueva York se convertía, poco a poco, en el epicentro del arte moderno. Martí notó cómo los precios para la venta de esta exposición fueron altísimos para una época en la que todavía era novedosa la relación entre la pintura y el mercado, al advertir el interés de la sociedad, los especialistas, las instituciones públicas y los coleccionistas por el mundo artístico.

A través de su distinguida escritura, José Martí problematizó sobre este movimiento artístico, planteó sus experiencias y reflexiones como protagonista al determinar las claves, los antecedentes e influencias de este movimiento y la ruptura con el código pictórico de la Academia. Con su pensamiento visionario comprendió, desde los mismos inicios, el movimiento impresionista.

A continuación, reproducimos “Una exhibición de los pintores impresionistas”.

 

Nueva York, julio 2 de 1886

Señor Director de La Nación:

Iremos adonde va todo Nueva York, a la exhibición de los pintores impresionistas, que se abrió de nuevo por demanda del público, atraído por la curiosidad que acá inspira lo osado y extravagante, o subyugado tal vez por el atrevimiento y el brillo de los nuevos pintores. Cuesta trabajo abrirse paso por las salas llenas: acá están todos, naturalistas e impresionistas, padres e hijos. Manet con sus crudezas, Renoir con sus japonismos, Pissarro con sus brumas, Monet con sus desbordamientos, Degas con sus tristezas y sus sombras.

Ninguno de ellos ha vencido todavía. La luz los vence, que es gran vencedora. Ellos la asen por alas impalpables, la arrinconan brutalmente, la aprietan entre sus brazos, le piden sus favores; pero la enorme coqueta se escapa de sus asaltos y sus ruegos, y solo quedan de la magnífica batalla sobre los lienzos de los impresionistas esos regueros de color ardiente que parecen la sangre viva que echa por sus heridas la luz rota: ¡ya es digno del cielo el que intenta escalarlo!

Esos son los pintores franceses, los pintores varones, los que cansados del ideal de la Academia, frío como una copia, quieren clavar sobre el lienzo, palpitante como una esclava desnuda, a la naturaleza. ¡Solo los que han bregado cuerpo a cuerpo con la verdad, para reducirla a la frase o al verso, saben cuánto honor hay en ser vencido por ella!

La elegancia no basta a los espíritus viriles. Cada hombre trae en sí el deber de añadir, de domar, de revelar. Son culpables las vidas empleadas en la repetición cómoda de las verdades descubiertas. Los artistas jóvenes hallan en el mundo una pintura de seda, y con una soberbia grandiosa de estudiantes, quieren un artesano de tierra y de sol. Luzbel se ha sentado ante el caballete, y en su magnífica quimera de venganza, quiere tender sobre el lienzo, sujeto como un reo en el potro, el cielo azul de donde fue lanzado.

Al olor de la riqueza se está vaciando sobre Nueva York el arte del mundo. Los ricos para alardear de lujo; los municipios para fomentar la cultura; las casas de bebida para atraer a los curiosos, compran en grandes sumas lo que los artistas europeos reproducen de más fino y atrevido. Quien no conoce los cuadros de Nueva York no conoce el arte moderno. Aquí está de cada gran pintor la maravilla. De Meissonier están aquí los dos Napoleones, el mancebo olímpico de Friburgo, el hombre pétreo de la retirada de Rusia. De Fortuny está aquí La playa de Pórtici, el cuadro no acabado donde parece que la luz misma, alada y pizpireta, sirvió al pintor de modelo complaciente: ¡parece una cesta de rayos de sol este cuadro dichoso! ¿No fue aquí la colosal venta de Morgan?

Pero toda aquella colección de obras maestras, con ser tan opulenta y varia, no dejaba en el espíritu, como deja la de los impresionistas, esa creadora inquietud y obsesión sabrosa que produce el aparecimiento súbito de lo verdadero y lo fuerte. Ríos verdes, llanos rojos, cerros de amarillo: eso parecen, vistos en montón, los lienzos locos de estos pintores nuevos.

Parecen nubes vestidas de domingo: unas, todas azules; otras, todas violetas; hay mares cremas; hay hombres morados; hay una familia verde. Algunos lienzos subyugan al instante. Otros, a la primera ojeada, dan deseos de hundirlos de un buen puñetazo; a la segunda, de saludar con respeto al pintor que osó tanto; a la tercera, de acariciar con ternura al que luchó en vano por vaciar en el lienzo las hondas distancias y tenuidades impalpables con que suaviza el vapor de la luz la intensidad de los colores.

Los pintores impresionistas vienen ¿quién no lo sabe? de los pintores naturalistas: de Courbet, bravío espíritu que ni en arte ni en política entendió de más autoridad que la directa de la Naturaleza; de Manet, que no quiso saber, que no quiso saber de mujeres de porcelana ni de hombres barnizados; de Corot, que puso en pintura, con vibraciones y misterios de lira, las voces veladas que pueblan el aire.

De Velázquez y Goya vienen todos, esos dos españoles gigantescos: Velázquez creó de nuevo los hombres olvidados; Goya, que dibujaba cuando niño con toda la dulcedumbre de Rafael, bajó envuelto en una copa oscura a las entrañas del ser humano y con los colores de ellas contó el viaje a su vuelta. Velázquez fue el naturalista; Goya fue el impresionista; Goya ha hecho con unas manchas rojas y parduzcas una Casa de Locos y un Juicio de la Inquisición que dan fríos mortales: allí están como sangramiento y eterno retrato del hombre, el esqueleto de la vanidad y la maldad profundas. Por los ojos redondos de aquellos encapuchados se ven las escaleras que bajan al infierno. Vio la corte, el amor y la guerra y pintó naturalmente la muerte.

Los impresionistas, venidos al arte en una época sin altares, no tienen fe en lo que no ven, ni padecen el dolor de haberla perdido. Llegan a la vida en los países adelantados, donde el hombre es libre. Al amor devoto de los pintores místicos, que aun entre las rocas de las orgías se les salía del pecho como una columna de humo aromado, sucede un amor fecundo y viril de hombre, por la naturaleza de quien se va sintiendo igual. Ya se sabe que están hechos de una misma masa el polvo de la tierra, los huesos de los hombres y la luz de los astros. Lo que los pintores anhelan, faltos de creencias perdurables por que batallar, es poner en el lienzo las cosas con el mismo esplendor y realce con que aparecen en la vida. Quieren pintar en el lienzo plano con el mismo relieve con que la Naturaleza crea en el espacio profundo. Quieren obtener con artificios de pincel lo que la Naturaleza obtiene con la realidad de la distancia. Quieren reproducir los objetos con el ropaje flotante y tornasolado con que la luz fugaz los enciende y reviste. Quieren copiar las cosas, no como son en sí por su constitución y se las ve en la mente, sino como en una hora transitoria las pone con efectos caprichosos la caricia de la luz. Quieren, por la implacable sed del alma, lo nuevo y lo imposible. Quieren pintar como el sol pinta, y caen.

Pero el espíritu humano no es nunca fútil, aun en lo que no tiene voluntad o intención de ser trascendental. Es, por esencia, trascendental el espíritu humano. Toda rebelión de forma arrastra una rebelión de esencia. Y esa misma angélica fuerza con que los hijos leales de la vida, que traen en sí el duende de la luz, procuran dejar creada por la mano del hombre una naturaleza tan esplendida y viva como la que elaboran incesantemente los elementos puestos a hervir por el Creador, les lleva por irresistible simpatía con lo verdadero, por natural unión de los ángeles caídos del arte con los ángeles caídos de la existencia, a pintar con ternura fraternal, y con brutal y soberano enojo, la miseria en que viven los humildes. ¡Esas son las bailarinas hambrientas! ¡Esos son los glotones sensuales! ¡Esos son los obreros alcoholizados! ¡Esas son las madres secas de los campesinos! ¡Esos son los hijos pervertidos de los infelices! ¡Esas son las mujeres del gozo! ¡Así son: descaradas, hinchadas, odiosas y brutales!

Y no surge de esas páginas de colores, incompletas y sinceras, el perfume sutil y venenoso que trasciende de tanto libro fino y cuadro elegante, donde la villanía sensual y los crímenes de alma se recomiendan con las tentaciones del ingenio; sino que de esas mozuelas abrutadas, de esas madres rudas de pescadores, de esas coristas huesudas, de esos labriegos gibosos, de esas viejecitas santas, se levanta un espíritu de humanidad ardiente y compasivo, que con saludable energía de gañán echa a un lado los falsos placeres (…).

¿Cómo saldremos de estas salas, afeadas por mucha figura sin dibujo, por mucho paisaje violento, por mucha perspectiva japonesa, sin saludar una vez más a tanto cuadro de Manet, que abrió el camino con su cruda pintura a esos desbordes de aire libre, sin detenernos ante el Órgano de Lerolle, con su sobrehumano organista, ante los cuadros resplandecientes de Renoir, ante los de Degas, profundos y lúgubres, ante aquel Estudio  asombroso de Roll, recuerdo de la leyenda de Pasifae, de donde emerge una poesía fragante, plena y madura como las frutas en sazón?

Los Renoir lucen como una copa de borgoña al sol; son cuadros claros, relampagueantes, llenos de pensamiento y desafío. Hay un Seurat que subleva: la orilla verde corta sin sombra, bajo el sol del cenit, el río algodonoso: una mancha violeta es un bañista: la otra amarilla es un perro: azules, rojos y amarillos se mezclan sin arte ni grados. Los Monet son orgías. Los Pissarro son vapores. Los Montemard ciegan de tanta luz. Los Huguet, que copian el mar árabe, inspiran amistad hacia el artista. Los Caillebote son de portentoso atrevimiento: unas niñas vestidas de blanco en un jardín, con todo el fuego del sol; una nevada deslumbrante e implacable; tres hombres arrodillados, desnudos de cintura, que cepillan un piso: al lado de uno, el vaso y la botella.

¿Cómo contar, si hay más de doscientos cuadros? Estos exasperan; aquellos pasman; otros, como La joven del palco, de Renoir, enamoran como una mujer viva. Este monte parece que se cae, ese río parece que nos va a venir encima. ¿No ha pintado Manet un estudio de reflejo de invernadero, tres figuras de cuerpo entero en un balcón, todo verde?

Pero de esos extravíos y fugas de color, de ese uso convencional de los efectos transitorios de la naturaleza como si fueran permanentes de esa ausencia de sombras graduadas que hacen caer la perspectiva, de esos árboles azules, campos encarnados, ríos verdes, montes lilas, surge de los ojos, que salen de allí tristes como de una enfermedad, la figura potente del remador de Renoir, en su cuadro atrevido Remadores del Sena. Las mozas, abestiadas, contratan favores a un extremo de la mesa improvisada bajo el toldo, o desgranan las uvas moradas sobre el mantel en que se apilan, con luces de piedras preciosas, los restos del almuerzo.

El vigoroso remador, de pie tras ellas, oscurecido el rostro viril por un ancho sombrero de paja con una cinta azul, levanta sobre el conjunto su atlético torso, alto el pelo, desnudos los brazos, realzado el cuerpo por una camisilla de franela, a un sol abrasante.

 

La Nación. Buenos Aires, 17 de agosto de 1886

Martí, J. (1972). “Nueva exhibición de los pintores impresionistas”. En J. Martí, Ensayos sobre arte y literatura (págs. 135-140). La Habana: Arte y Literatura.

Juana de Arco: entre el estandarte y la espada.

Juana de Arco: entre el estandarte y la espada.

Juana de Arco: entre el estandarte y la espada.

Mayo 6, 2022

 

“Mejor la integridad en las llamas que sobrevivir en la retratación de la verdad”

                                                                            Juana de Arco

Varios son los nombres de mujeres que se encuentran engalanando la historia de la humanidad; sin embargo, el de Juana de Arco resalta entre todas las de su tipo. Esta fémina nació el 6 de enero de 1412 en el seno de una familia campesina que pertenecía a la comuna francesa de Domrémy. No pudo asistir a la escuela, pero apreciaba el valor de todos los saberes y les atribuía una carga divina ligada a Dios.

La cercanía de su pueblo con la región de Lorena (territorio que tenía frontera entre Francia y el espacio usurpado por borgoñones e ingleses) marcó su niñez, pues en ese momento se encontraba en pleno apogeo la Guerra de los Cien Años. Según sus declaraciones y documentos de la época, con tan solo trece años, Juana comenzó a tener visiones divinas. San Miguel, Santa Margarita y Santa Catalina le encomendaron la faena de librar Francia de asedio inglés y coronar como rey a Carlos Vll.

La vida devota que desarrolló esta adolescente y su autoconfianza posibilitó que a los dieciséis años iniciara su encomienda. Un pariente la trasladó hacia la ciudad de Vaucouleurs para solicitar una escolta armada que le permitiera llegar a Chinon, urbe en la que se estableció la corte real. Pese a las burlas masculinas esta mujer cumplió su propósito y junto a Jean de Metz y Bertrand de Poulengy parte al encuentro con el futuro rey francés. Juana de Arco hizo el viaje por territorio borgoñón disfrazada de soldado para pasar desapercibida y evitar su muerte.

En la corte real de la ciudad de Chinon se sucedió el primer encuentro entre dicha campesina y el delfín Carlos, el cual se encubrió junto a las personas con el objetivo de ser descubierto por la joven. Tras encontrar correctamente al futuro monarca y postrarse ante él, la doncella causó gran impresión en la corte, asimismo le planteó al futuro rey su misión. Debido a tantas humillantes derrotas los soldados franceses estaban desmoralizados sin embargo, Juana se convirtió en la fuente de esperanza y aliento del régimen. 

Las tropas francesas llegaron a la ciudad de Orleans el 29 de abril de 1429, allí desempeñó una de las batallas más importantes para la historia del país. Juana de Arco portó su estandarte en la cruzada, siendo una inspiración para el ejército francés. La repentina victoria en Orleans posibilitó nuevos planes de ofensiva para aniquilar el reducto inglés que pervivía en la nación. El delfín autorizó a la joven mujer para que llevara a cabo un plan de recuperación de puentes cercanos sobre el río Loira. Esta estrategia sirvió como preludio para un avance general hacia Reims, en cuya catedral se celebraría su consagración como rey de Francia.

El duque de Alenzón acató los consejos de Juana sobre la nueva estrategia a seguir. Otros comandantes, como Juan de Orleans, habían quedado impresionados por sus hazañas durante el asedio y se convirtieron en partidarios de la joven de Domrémy. El ejército inglés se retiró del Valle del Loira y se dirigió hacia el norte. Juana instó a sus tropas a salir en persecución de los enemigos y así ambos regimientos se batieron en la villa de Patay. Los franceses derrotaron a los arqueros ingleses que tenían el objetivo de bloquear el camino, lo mismo sucedió con el cuerpo principal del ejército usurpador, provocando la aplastante derrota de los mismos.

La coronación de Carlos Vll se produjo el 17 de julio de 1429, con ello Juana de Arco cumplió su principal misión que era darle a Francia un rey y librar a su patria del asedio extranjero. Tras pactar una tregua de guerra los dos oponentes la misma llegó a su fin. Nuevamente la doncella de Orleans se encuentra en pie de guerra, pero no corrió con la misma suerte que en combates anteriores. Juana fue emboscada por el ejército borgoñón y encarcelada en el castillo de Beaurevoir, sin embargo, tras un intento de huida, fue trasladada a la ciudad de Arrás.

Los ingleses compraron a la joven de 19 años por un valor de 10 000 libras de Turena y la llevaron a Ruan. Los guerreros de Juana intentaron rescatarla varias veces lanzando ofensivas militares mientras estaba allí encarcelada, sin embargo todas las hazañas fracasaron. Juana de Arco fue sometida a varios juicios por parte de la inquisición. En los mismos se le imputaron cargos que no le correspondían y se realizaron falsas acusaciones sobre su personalidad.

En la mañana del 30 de mayo de 1431 esta joven patriota fue quemada en la hoguera tras ser acusada de herejía. Atada a un alto pilar en la plaza Vieux-Marché de Ruan, pidió a los frailes Martin Ladvenu e Isambart de la Pierre que sostuvieran un crucifijo ante ella. Después quemaron su cuerpo un total de tres veces para reducirlo a cenizas y evitar que se recogiera como reliquias, arrojaron sus restos al río Sena.

Años después, bajo la apelación del propio Carlos Vll, Juana de arco fue declarada inocente y sentenciaron de herejía al tribunal que arremetió injustamente contra esta mujer. En 1920 se beatificó, canonizó y proclamó patrona de Francia  a esta joven campesina que dio la vida por su convicción.

9 de mayo

Día de Europa

9 de mayo

Mayo 4, 2022

 

Luego de finalizada la Segunda Guerra Mundial, Europa se encontraba devastada y Alemania, que fue derrotada en el conflicto, se encontraba ocupada por los vencedores. Ante esta situación y con el miedo de que se repitiera otra guerra mundial, surgió la necesidad de buscar un acercamiento entre los pueblos de Europa. Es así cuando surge el proyecto de unificar la producción del carbón y el acero de Francia y Alemania que cambiaría por completo el rumbo del Viejo Continente.

Inspiradas en las ideas de Jean Monnet, la Declaración de Robert Schuman planteaba la construcción de una Alta Autoridad Común que propiciara la unión política europea a través de su previa integración económica. Pronunciada el 9 de mayo de 1950, el ministro francés de Asuntos Exteriores propondría la creación de un mercado común con libre circulación de mercancías, servicios, personas y capitales. De esta manera, en el Salón del Reloj del Quai d’Orsay (París) nacería la primera propuesta de integración de la futura Unión Europea, la cual quedaría establecida oficialmente, ese mismo día de mayo, pero de 1985.

Se instauró esta fecha simbólica para la Unión Europea, junto a la bandera de las doce estrellas sobre el fondo azul y la Oda a la alegría, de Beethoven. Sin embargo, es importante mencionar que, a pesar de que es una festividad ya establecida por los Jefes de Estado y de Gobierno reunidos en el Consejo Europeo, el 9 de mayo es considerado como un día laborable y solo libran los funcionarios de las instituciones europeas; día conocido coloquialmente como “San Schuman”. Por lo tanto, las celebraciones organizadas por los estados miembros no suelen equipararse a las fiestas nacionales de cada país.

En el caso de Cuba, las relaciones con la Unión Europea comenzaron en el año 1988 y desde entonces ha financiado disímiles proyectos para la emergencia en respuesta a huracanes, agricultura sostenible y seguridad alimentaria, fuentes renovables de energía, cambio climático, y modernización de la economía. Adicionalmente, tiene como ejes transversales de su cooperación en el país el enfoque de derechos y la equidad de género, al igual que una estrategia de fortalecimiento de la sociedad civil [1].

La Unión Europea y su Delegación en Cuba, de conjunto con la Oficina Regional de Cultura para América Latina y el Caribe de la Unesco, tuvieron un papel protagónico en los proyectos de Rescate patrimonial y desarrollo cultural en La Habana: Palacio del Segundo Cabo y Gestión integral, participativa y sostenible para el desarrollo local del Centro Histórico y la Bahía de La Habana. Ambos permitieron el rescate del inmueble patrimonial y del montaje museográfico del hoy Centro para la Interpretación de las Relaciones Culturales Cuba-Europa: Palacio del Segundo Cabo. La inauguración de las salas permanentes del centro se celebró el 9 de mayo de 2017 para homenajear este espacio dedicado a promocionar, divulgar e intercambiar la cultura y el patrimonio entre la nación cubana y el viejo continente.

 

Notas

Unión Europea. Delegación en Cuba. (2019). Cooperación Unión Europea – Cuba. Contribuyendo a la Agenda 2030 para el desarrollo sostenible. La Habana: Unión Europea. Delegación en Cuba

Día Mundial del Diseño

Día Mundial del Diseño

Día Mundial del Diseño

Abril 27, 2022

 

En el Día Mundial del Diseño se conmemora la fundación del Consejo Internacional de Asociaciones de Diseño Gráfico (ICoD por sus siglas en inglés), creada el 27 de abril de 1963 en la ciudad de Londres, Inglaterra y cuya sede actual se encuentra en Montreal, Canadá. Con esta fecha se desea reconocer el valor del diseño, reflexionar sobre el bienestar de las personas en su entorno y cómo encontrar soluciones innovadoras dentro de la sociedad.

Durante el Renacimiento, la literatura y los humanistas le dieron un enfoque innovador en el diseño gráfico a través de los libros, elaborados por grandes eruditos italianos que comenzaron a emplear la caligrafía itálica, lo cual supuso una ruptura con el estilo gótico utilizado. Para los siglos XVII y XVIII algunas industrias europeas de mobiliario, tejido y porcelana lograron altos niveles de producción. Fue en ese momento cuando se les encargó, a los dibujantes, la tarea de realizar los diseños de las piezas, a los artesanos la ejecución de los dibujos y a los comerciantes la tarea de venderlas.

En el caso de los dibujantes, estos provenían del mundo artístico. Un ejemplo válido a mencionar sería el caso de Henri de Toulouse-Lautrec, quien se encargó de elaborar el cartel del buque insignia de la Belle Époque parisina, el cabaret Moulin Rougue. Toulouse-Lautrec era un asiduo del local y el público se sorprendió con el diseño, algo nunca antes visto con anterioridad. De esta forma, el artista de 27 años se volvería famoso.

La imbricación del mundo del arte y el comercial, provocó un cambio con el concepto artístico manejado hasta ese momento. Esto se debe a que las obras pasaron a tener ciertos fines comunicativos y en muchos casos, comerciales. Ya no se plantea una división de las responsabilidades como se trabajaba en siglos pasados, sino que se comienzan a vincular, a una sola persona, los aspectos claves del diseño: la imagen, la tipografía y la composición. En el caso de la tipografía, esta se relaciona con las ilustraciones para lograr el acto comunicativo por excelencia, transmitir un “mensaje clave determinado”.

Inicialmente, el diseño se enfocó a la publicidad, sobre todo desde finales del siglo XIX hasta los años 20’ cuando los diseñadores abandonan el arte puro para desplazarse a un arte más comercial. Este oficio se desarrollaría tanto en Estados Unidos como en Europa, con la fundación de las primeras escuelas de Diseño. La Escuela de Diseño Estatal Bauhaus, que existió en Alemania de 1919 a 1932, cambió la filosofía del diseño por completo. Promovía una nueva comprensión del diseño, que incluía estudios topográficos y espaciales. Realzaba las formas geométricas básicas, no adornaban las imágenes, utilizaban colores planos y de manera muy racional, la tipografía.

Al igual que en el resto del mundo, Cuba no quedó exenta a los impactos del diseño. Durante gran parte del siglo XX existieron pequeños talleres de impresión litográficas y agencias publicitarias norteamericanas con sede en la isla. Los diseños eran expresiones de identidad cultural y, en el caso de los habanos, contaban en sus envases con una representación de los paisajes naturales y humanos. Luego 1959 se produjo un cambio de paradigma que brindó una perspectiva nueva dentro de la historia del diseño cubano. Este fue el caso de la cartelística, que adquiere un rol preponderante como medio de divulgación, al tiempo que utiliza un mismo formato y una misma técnica: la serigrafía. A través de los carteles, los diseñadores dieron a conocer una realidad social particular y actualizado. Posteriormente se crearían la ONDI y el ISDI, instituciones que tratarán de mantener vigentes los vínculos entre diseño, cualidad y el contexto nacional cubano.

El 27 de abril, conocido como “Día Mundial de los Gráficos”, se convirtió en el “Día Mundial del Diseño de la Comunicación” en 2012, “Día Mundial del Diseño” en 2015 y “Día Internacional del Diseño” en 2020. Para este año, la temática es “Suspendido en la transición”. La selección de este tema se ve motivado al hecho de que la población mundial se encuentra inmersa en un mundo colmado de diseños y cambios. Sin embargo, esta idea depende de determinadas realidades, espacios y experiencias materiales, las cuales influyen directa e indirectamente en nuestro devenir. Por tal motivo, resulta sumamente importante que los diseñadores comprendan cómo la interacción de los factores sociales, económicos, ambientales, tecnológicos y geográficos puede influir sobre las personas dentro de su mismo entorno. 

Rita Leví-Montecalcini

Rita Leví-Montalcini, ejemplo de consagración hacia la medicina.

Rita Leví-Montecalcini

Abril 22, 20222

 

A lo largo de la historia muchos han sido los científicos que han desempeñado una meritoria labor en el campo de las investigaciones. El privilegio de ser hombres les confería una mayor ventaja por encima de las mujeres, pues la sociedad machista demeritaba los logros que vinieran de las féminas. En medio de un contexto patriarcal desarrolló su trabajo Rita Leví-Montalcini (Turín, 1909- Roma, 2012), hija del matemático e ingeniero eléctrico Adamo Leví y de la pintora Adele Montalcini. 

Su padre no veía con buenos ojos que las mujeres estudiaran y dejaran atrás sus deberes como esposa y madre. Desde pequeña la joven Rita no estuvo de acuerdo con estos preceptos, es por eso que, tras convencer a su progenitor, decide ingresar en la enseñanza superior y cursar estudios de medicina. Para iniciarse en la carrera tuvo que conseguir un título en latín, griego y matemáticas, los mismos le dieron acceso a la Facultad de Medicina de la Universidad de Turín.

En este centro académico fue alumna de Giuseppe Levi, el cual ejerció una gran influencia en ella, en  Salvador Luria y Renato Dulbecco, dos de sus compañeros que en años posteriores se alzaron con el Premio Nobel de Fisiología. Una vez terminados los estudios primarios de medicina, en 1936, Rita Leví se decantó por las especialidades de neurología y psiquitría. A la par que aprendía las nuevas materias, dicha fémina no se desligó de su profesor, del cual fue asistente.

La labor científica de esta mujer estuvo al punto de culminar en 1937 cuando Benito Mussolini lanzó Il manifesto della Razza (El manifiesto de la Razza). La familia Leví-Montalcini pertenecía, por la parte paterna, a la línea judía sefardí, aspecto sumamente tangencial, pues los judíos fueron segregados, perseguidos y aniquilados por los fascistas. En ese propio año se trasladó junto con su familia a Bélgica donde trabajó como investigadora invitada en un instituto neurobiológico de Bruselas.

Ante la amenaza de invasión fascista a Bélgica por tropas alemanas en 1940, Rita Leví regresó a Turín y en su dormitorio instaló un laboratorio para continuar con su labor investigativa. Este período de aparente tregua no fue muy extenso, pues en 1943 tuvo que huir con su familia para un pueblo al sur de Florencia. Allí permanecerá escondida hasta el final de la guerra. El trabajo realizado por esta mujer en condiciones precarias versó sobre aquellas sustancias que se conocen como factores neurotróficos.

Finalizada la Segunda Guerra Mundial, Viktor Hamburger le ofreció un puesto de investigadora asociada en la Universidad de Washington de St. Louis, y en la que se mantuvo los venideros treinta años. Allí realiza descubrimientos acerca de la proteína que liberan las células nerviosas y que atrae el crecimiento de las ramificaciones de las neuronas vecinas. También aisló el factor de crecimiento, una sustancia emanada por el tumor que estimula el incremento de los nervios.

Rita Leví-Montalcini fue una de las investigadoras pioneras en señalar la importancia de los mastocitos (células que juegan un importante papel en la defensa frente a infecciones parasitarias y las reacciones alérgicas) y del compuesto endógeno palmitoiletanolamida como importante modulador de estas células.

El galardón más importante obtenido por esta mujer fue el Premio Nobel de Fisiología o Medicina en el año 1986, por su investigación que dio paso al descubrimiento del primer factor de crecimiento conocido en el sistema nervioso. Otros galardones conseguidos por la ilustre fémina lo fueron el nombramiento de Embajadora de Buena Voluntad de la FAO (1999), Senadora Vitalicia Italiana (2001), la distinción Doctorado Honoris Causa en Ingeniería Biomédica en el Politécnico de Turín (2008) y el grado de Doctora Honoris Causa por la Universidad Complutense de Madrid (2008). En el año 2009 se convirtió en la primera persona premiada con un Nobel que tenía más de cien años.

El 30 de diciembre de 2012 fallece Rita Leví-Montalcini, dejando un imperecedero legado en el área de la medicina. Su condición de mujer científica en una época donde el patriarcado repudiaba toda actividad femenina fue emancipadora. Esta fémina no solo triunfó, sino que ganó un Nobel y diversos lauros, constituyendo un ejemplo de persistencia y consagración hacia su carrera.

Día del Idioma Español

Día del Idioma Español

Día del Idioma Español

Abril 20, 2022

 

Desde el 23 de abril de 1922 se celebra la fiesta del idioma por iniciativa de la Real Academia Hispanoamericana de Ciencia y Arte de Cádiz. No sería hasta 1995 cuando fuera declarado como Día Mundial del Libro y de los Derechos de Autor por la Organización de Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco) y Día del Idioma Español por las Naciones Unidas en el 2010. En la actualidad, el español es la lengua oficial de 22 países y la cuarta más hablada del mundo con cuatrocientos millones de hablantes; solo por detrás del chino, el inglés y el hindi. De igual forma, es uno de los seis idiomas oficiales de las Naciones Unidas, junto al inglés, francés, ruso, chino y árabe.

La elección de esta fecha responde a la coincidencia histórica de ser el día en que fallecieron tres de las figuras más importantes de la literatura universal: Miguel de Cervantes y Saavedra, William Shakespeare y el inca Garcilaso de la Vega, uno de los primeros cronistas americanos de los que se tiene constancia. Por tal motivo, los hispanohablantes adoptamos ese día para rendirle homenaje al autor de El Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha, obra cumbre del idioma español y el libro más traducido después de la Biblia.

Cervantes nació en Alcalá de Henares en 1547, el cuarto hijo del matrimonio entre el hidalgo Rodrigo de Cervantes y Leonor de Cortinas. Con una vida muy agitada y convulsa, fue desde paje eclesiástico hasta un soldado más que combatió en la batalla naval de Lepanto. De regreso a España, se instaló en Sevilla donde obtuvo el cargo de comisario real de abastos para la Armada Invencible y cobrador de arriendos en Granada, un puesto que lo llevaría a un constante viaje por la zona sur de la Península Ibérica. En 1584 compuso su primera novela importante, La Galatea, pero no sería hasta 1605 que vería la luz las Aventuras del ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha; completada diez años más tarde por una segunda parte que se publicaría en 1615, un año antes de la muerte de Cervantes.

El Quijote cuenta las aventuras de Alonso Quijano, un hidalgo manchego que “sabe muy bien lo que dice y no tiene idea de lo que hace”, un caballero en el ámbito rural español que pierde la razón tras haber leído numerosos libros de caballería. Se cree un caballero andante medieval y, junto a Sancho Panza, un labrador vecino que se convierte en su fiel escudero, emprende una travesía fuera de su aldea en búsqueda de aventuras. Antes de partir, limpia las armas de sus bisabuelos, bautiza a su flaco caballo como Rocinante, decide que su dama será Dulcinea del Toboso (una labradora manchega que se llama Aldonza Lorenzo) y asume la sugerente identidad de Don Quijote de la Mancha.

La obra alcanzó el éxito mundial ya que es la primera novela moderna de la historia al romper con todos los géneros novelísticos anteriores. Además de parodiar los libros de caballería del siglo XVII, introduce en la narrativa elementos como la evolución de los personajes y el denominado perspectivismo (utilización de diferentes puntos de vista ante una misma realidad). Dichas novedades literarias inspiraron las obras de posteriores artistas clásicos como Charles Dickens, Honoré de Balzac o Benito Pérez Galdós. Por tales motivos, la novela contemporánea como se conoce hoy en día no tendría su forma actual sin las proezas del Quijote.

Miguel de Cervantes es considerado el más grande escritor español de todos los tiempos y puede leerse en más de 140 lenguas. En el año 2002, cien escritores de 54 países eligieron el Quijote como la mejor obra de ficción de la historia de la humanidad, por encima de los grandes clásicos de Homero, Fiodor Dostoievski o Gabriel García Márquez.

Día internacional de monumentos...

Día Internacional de los Monumentos y Sitios

Día internacional de monumentos...

Abril 13, 2022

 

Desde el 18 de abril de 1984 se celebra el Día Internacional de los Monumentos y Sitios. Esta iniciativa, promovida por el Consejo Internacional de Monumentos y Sitios (ICOMOS, por sus siglas en inglés), cuenta con la aprobación de la Unesco y se realiza para dar a conocer la variedad del patrimonio histórico cultural. Al mismo tiempo, busca resaltar los esfuerzos que se realizan para fomentar su conservación y protección.

En el año 2020, el ICOMOS publicó su declaración sobre el Patrimonio Cultural y la Emergencia Climática donde reconocía el potencial del patrimonio cultural para la salvaguarda de sus bienes inmuebles ante incidencias climáticas adversas. Este documento sería tomado como base para que, el Día Internacional de los Monumentos y Sitios del 2022 entrara dentro del Plan Científico Trienal de ICOMOS (2021-2024) y con la temática “Patrimonio y clima”. Es importante señalar que, la Convención Marco de las Naciones Unidas sobre Cambio Climático de Río de Janeiro, realizada en 1992, toma el concepto de cambio climático a: la actividad humana que altera la composición de la atmósfera mundial y que se suma a la variabilidad natural del clima observada durante períodos de tiempo comparables.

Por tal motivo, el Día Internacional de los Monumentos y Sitios del presente año tiene como objetivo alertar sobre la importancia de la protección de las comunidades vulnerables mediante la acción climática. De esta manera, propone la realización de una serie de acciones encaminadas a minimizar los impactos climáticos negativos sobre el patrimonio.

Debido a su ubicación geográfica, Cuba se ve amenazada cada año principalmente por los eventos hidrometeorológicos, como son los incrementos de la temperatura, del nivel medio del mar, temporadas de sequía, las precipitaciones y la actividad ciclónica. Estos elementos provocan situaciones de desastre ambiental en el país que impactan negativamente el desarrollo socioeconómico de la Mayor de las Antillas y que afectan el patrimonio natural, edificado y arqueológico.

Con el paso de los años, la frecuencia e intensidad de estos fenómenos naturales superará cada vez más los registros históricos ya existentes. Ante dichos pronósticos, se manifiesta la necesidad de fomentar un programa de trabajo que contribuya a detener el progreso del deterioro de los bienes inmuebles afectado por estos embates, como el que realiza la Oficina del Historiador de la ciudad de La Habana desde el 2001 en el área del Malecón Tradicional habanero.

La franja costera se extiende desde el Paseo del Prado hasta los alrededores del Parque Maceo, por un kilómetro de largo aproximadamente.  Asimilada como un sitio emblemático para los habaneros, de gran valor urbano y patrimonial, y que va más allá de los atributos formales de la arquitectura, la zona fue construida durante gran parte de la década de 1920. Cuenta con un nivel soterrado de cisternas y sistemas de suministro de agua, así como instalaciones de electricidad y gas, que se ven afectados por las inundaciones que suceden en el frente del litoral habanero como consecuencia de los frentes fríos en invierno y los ciclones tropicales en verano. 

Si bien estos elementos influyen en el deterioro de los bienes inmuebles, es el embate de las olas las que ocasionan los mayores daños a las fachadas y los interiores de las edificaciones. La zona que más sufre la acción de las olas en los cambios de tiempo es la que va desde la calle Genios hasta el Castillo de la Punta, ya que es un área que ubicada en perpendicular a los vientos Norte-Oeste. 

Las actuaciones para enfrentar este tipo de amenazas son múltiples. Se ha trabajado para ampliar el conocimiento ambiental de la población y la percepción del riesgo existente. Al mismo tiempo, se conserva la función habitacional a través de diversos programas de vivienda, que garantizan condiciones de vida adecuadas y seguras para las familias afectadas. Paralelamente a estas acciones de la OHC, también se realiza un Proyecto Multisectorial coordinado por el Instituto Nacional de Recursos Hidráulicos que incluye la construcción de obras de defensa costera para evitar inundaciones sin afectar la imagen urbana del lugar.

Por consiguiente, el sitio anteriormente mencionado cuenta con una estrategia urbano-ambiental especial. Esto propicia a que incorpore el enfoque de riesgo, la mitigación y adaptación ante los efectos del cambio climático y se convierte en un ejemplo ideal para el Día Internacional de los Monumentos y Sitios. 

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Flora Tristán, más allá del sexismo

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Abril 8, 2022

 

“En la escala del amor, la mujer está unos peldaños por encima del hombre. El día en que el amor domine sobre la violencia, la mujer será la reina del mundo.”

Flora Tristán

 

La emancipada luchadora por los derechos de la mujer, Flora Tristán, nació el 7 de abril de 1803 en París. Desde temprana su familia se vio inmersa en la pobreza debido a que la iglesia francesa no reconoció el matrimonio de sus progenitores. Los bienes y derechos de la viuda y sus hijos les fueron negados, razón por la que Flora, desde muy pequeña, estuvo obligada a trabajar. Su labor como obrera en un taller de litografía le permitió conocer a Andre Chazal, dueño del centro, su jefe, y futuro esposo.

Sin embargo, Flora se separa de Chazal por los celos y frecuentes maltratos a los que su cónyuge la sometía, e inician una larga batalla por la custodia de sus dos hijos. Ante los estigmas patriarcales de la época y la preponderancia del pensamiento machista, esta mujer toma partido y se convierte en una de las precursoras del movimiento feminista, tanto en Perú (la patria de su padre) como en Francia (donde nacieron su madre y hermanos).

En los años previos a que Flora Tristán se destacara como escritora asumió roles que le permitieron afrontar su realidad adversa de carencias económicas y un matrimonio fallido, ligado a la violencia. Fuera del taller busca nuevas formas de subsistencia, dentro de ellas la de dama de compañía de una familia inglesa. En los demás años recorrerá Suiza, Alemania e Italia con sus convicciones emancipadoras, alentando a las mujeres a que luchen por sus derechos. En 1833 viajó a Perú con el objetivo de recuperar parte de la herencia que le correspondía por parte de su padre; sin embargo, solo consiguió una baja pensión anual.

Tras su regreso a París, en 1835, publicó dos folletos, uno relacionado con la acogida de las mujeres extranjeras en Francia y el otro, en contra de la pena de muerte. En 1837, Pérégrinations d’une paria (Peregrinación de una paria) le asegura un reconocimiento por la representación de la realidad de los pueblos de América del Sur en contraste con los habitantes parisinos.

Pese al balazo en el hombro que le fue dado por su exmarido André Chazal, su estado de salud no le impidió preparar la publicación de su única novela: Méphis. Histoire d’un proletaire (Méphis. Historia de un proletario). Mediante este material quedaron expuestas las teorías de trasformación social relacionadas con las mujeres y el cambio en la educación de las mismas, así como la concepción de inferioridad que se tenía de las féminas.

En 1840 Flora Tristán publicó el libro de viajes Promenades dans Londres (Andanzas en Londres) en el que sintetizó su análisis sobre la sociedad londinense y su clase obrera. En este ejemplar aunó dos de sus motivos de lucha: la subordinación de la mujer al patriarcado y las injusticias en las que vivía la clase obrera. Sus palabras se encuentran repletas de descripciones y rígidas críticas a la organización social, así como justas soluciones que le aseguraron adeptos entre los trabajadores y detractores. En posteriores años, esta fémina fue perseguida por la policía en cada ciudad que visitó debido al impacto de sus ideas en la población.

En 1843 escribió L´Union ouvrière (La Unión obrera), libro que fue presentado a través de una gira por distintas ciudades de Francia. Cerca de 4000 ejemplares lograron ser distribuidos entre los gremios, los cuales reclamaban la presencia y oratoria de Flora Tristán. Su recorrido por Lyon, Marseille, Toulon, Auxerre y Montpellier fue frenado por un apresurado desmayo, el cual estuvo provocado como consecuencia de una congestión cerebral.

Las últimas horas de esta mujer emancipada fue en la vivienda de los esposos Lemmonier, a ella acuden médicos, amigos y obreros. El 14 de noviembre de 1844 fallece, siendo trasladada para el cementerio La Chartruese. Cuatro años más tarde, se le construye un monumento dentro del propio campo santo con la inscripción: “une tombe pour l´amie du pauvre” (“una tumba para la amiga de los pobres”).

El nombre de Flora Tristán remite a un pensamiento de avanzada aún en pleno siglo XXI, y como uno de los principales pilares del movimiento feminista a nivel internacional.

Día del arte

Día del arte

Día del arte

Abril 6, 2022

 

Desde el año 2012, cada 15 de abril se conmemora el Día Mundial del Arte con el objetivo de reforzar los vínculos existentes entre el arte y la sociedad, fomentar una mayor conciencia sobre la variedad de las expresiones artísticas y, al mismo tiempo, destacar las principales contribuciones de los artistas al desarrollo sostenible mundial. Según la Unesco, es considerada como la oportunidad primordial para promover la enseñanza de la educación artística en las escuelas porque “la cultura es el camino hacia una educación inclusiva y equitativa”.

Sin embargo, el 15 de abril no fue seleccionado al azar. Esto se debe a que, este día, coincide con el nacimiento de uno de los artistas más grandes y talentosos de la humanidad: Leonardo Da Vinci. Nacido en la antigua República de Florencia, en Italia, durante sus primeros años recibió la educación elemental de aquellos tiempos (lectura, escritura y aritmética). Con 15 años comienza como aprendiz de Andrés Verrocchio, donde permanecería hasta ser aceptado como miembro del gremio de pintores de Florencia, para luego continuar sus trabajos como artista independiente.

En sus primeras obras se encuentran presentes muchos bosquejos técnicos, como es el caso de bombas, armas y ciertos aparatos mecánicos que demuestran el interés que sentía por estos temas. De hecho, los artistas pensaban que Leonardo era un gran científico y los científicos consideraban que era un gran artista. Esto evidencia el alcance de la figura de Da Vinci quien, al igual que sus coetáneos renacentistas, establecía el conocimiento de las ciencias como la base de su acción creadora hasta emerger como el genio creador y humanista que fue.

Sentía gran interés artístico por la exploración del cuerpo humano y la mecánica de su funcionamiento, de ahí que representara la figura humana a partir de planos de diferentes cortes anatómicos. Un ejemplo clave a mencionar sería El Hombre de Vitruvio, también conocido como El hombre ideal o Canon de las proporciones. El dibujo, que no mide más de 35 cm de alto, se conserva en la Galleria dell’Accademia, en Venecia y es de sus obras más reconocidas por ser una combinación perfecta de arte y ciencia. Representa la figura masculina desnuda, con los brazos y piernas extendidos en dos posiciones, dentro de un círculo y un cuadrado y se acompaña de notas que explican el estudio de las proporciones, basado en el trabajo del arquitecto romano Marco Vitruvio Polión.

Fue autor de la enigmática, y a la vez mítica, Gioconda o Mona Lisa, cuadro del cual sus historiadores plantean que nunca se apartó; así como de La virgen de las rocas, obra encargada por la Iglesia de San Francesco Grande de Milán. En ambas piezas, Da Vinci utiliza la técnica del sfumato que, según el propio artista era un “brumoso, sin líneas ni contornos, a la manera del humo”. Esto se logra mediante la difusión de los bordes a partir de suaves cambios graduales en los tonos de la pintura. Al mismo tiempo, se funden las luces y las sombras para lograr un mayor realismo en las figuras que se representan y obtener una mayor profundidad.

La novedad que supone redescubrir la vida, obra y principales hallazgos de este gran florentino, más de cinco ciclos después de su muerte, es todo un acontecimiento. Actualmente, su pasión por el conocimiento, la investigación y la innovación en el campo artístico motivaron a que sea considerado como uno de los hombres más valiosos de su tiempo. Su energía creativa motivó a que se convirtiera en un líder de su época, así como un símbolo mundial de paz, libertad de expresión, fraternidad y multiculturalismo.

Apoyados en todos los elementos anteriormente mencionados, la Asociación Internacional de Artes Plásticas (AIAP) fue la encargada de promover la fecha del 15 de abril como el Día Mundial del Arte y luego declarada oficialmente por la Unesco. Es importante señalar que la AIAP trabaja para reivindicar el valor del arte y el pensamiento creativo como motor de cambio de la sociedad y el pensamiento humano.

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Aspasia de Mileto

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Marzo 25, 2022

 

Aspasia nació en la antigua ciudad griega Mileto, al igual que los primeros filósofos Tales, Anaximandro y Anaxímenes. De gran influencia en la vida cultural y política de Atenas, fue una maestra de la retórica y logógrafa, que era el término que se usaba para designar a los historiadores y cronistas griegos anteriores a Heródoto.

A pesar de que sus fechas de nacimiento y muerte se desconocen con exactitud (se dice que vivió entre 470 a.C. y 400 a.C.), sí se sabe que abandonó su tierra natal y se trasladó a Atenas, con apenas 20 años. Allí conocería al líder del partido democrático, Pericles, quien le doblaba la edad y que era la máxima autoridad política desde el 461 a.C. Esta unión fue criticada desde los inicios; sin embargo, ambos vivieron públicamente su amor y tuvieron un hijo: Pericles el Joven.

Se hacía notar por su brillante conversación y poseía amplios conocimientos, gracias a los cuales le enseñó retórica a Pericles. Autores sostienen que, incluso, le ayudaba a escribir sus discursos y otros pensadores como Platón, le atribuyen la redacción de la célebre Oración Fúnebre, en honor a los caídos durante la Guerra del Peloponeso.

Su casa se convirtió en un centro intelectual, según referencia Plutarco, que llamó la atención de numerosos escritores y pensadores de la época, quienes la alababan y le pedían consejo. Uno de los que con más frecuencia la visitaba era Sócrates, para recibir clases de retórica; llegó a sentir tanta admiración por Aspasia que siempre la recomendaba como maestra. Se dice también que esta mujer llegó crear una escuela en Atenas para la formación de otras mujeres.

Si bien existe polémica en relación con su vida personal, Aspasia es reconocida por su excepcional capacidad intelectual y por desafiar las políticas restrictivas de la sociedad ateniense para las mujeres. Debido a su rol activo en la vida cultural ateniense, se convirtió en una figura clave para la historia antigua.